Dmitri Baltermants (1912-1990) Fotoperiodista de guerra para el imperio soviético

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Dmitri Baltermants, Kerch, Crimea, 1941/42

Dmitri Baltermants, también conocido como « El ojo de la Nación » es un fotoperiodista ruso nacido en Varsovia en 1912, cuando la ciudad todavía era parte del Imperio Ruso.

Después de haber finalizado sus estudios de matemáticas en la Universidad de Moscú, Dmitri Baltermants es profesor de matemáticas en la academia militar y obtiene el rango de capitán.

Es solo en 1939, durante la Segunda Guerra Mundial, que se apasionará por la fotografía convirtiéndose en fotoperiodista. Es entonces enviado a Ucrania del Oeste para cubrir la invasión soviética en Polonia. Desgraciadamente, no se encuentra ningún rastro fotográfico de esta misión.

1. Fotoperiodista al servicio del régimen soviético

Sus primeros pasos como fotoperiodista los dio trabajando para el periódico Izvestija, periódico oficial del partido, y para el periódico del Ejercito Rojo.

Las fotos las mas representativas del trabajo de Baltermants fueron tomadas durante la batalla de Stalingrad y las batallas del Ejercito Rojo en Rusia y Ucrania. Dos veces será herido. Solo las imágenes que reflejaban los aspectos positivos del ejercito eran elegidas.

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Attack, 1941, Dmitri Baltermants

A penas publicada esta fotografía fue fuertemente criticada ya que representaba la mitad de un hombre, lo que era contrario a los estándares impuestos por el régimen. Solo será publicada en los años 1960 para volverse una de las fotografías de guerra mas conocidas mundialmente.

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Grief, January 1942 – Dmitri Baltermants

La foto la mas conocida de Baltermants es “Grief”. Fue tomada en 1942 y muestra el masacre de los Nazis en Kerch, un pequeño pueblo en Crimea. Aparecen sobre esta fotografía el duelo de las mujeres del pueblo mientras buscan los cuerpos de sus seres queridos. El cielo le agrega una tonalidad dramática a la fotografía. Esta fotografía fue publicada después de la guerra, en los años 1960 (así como la mayoría de sus fotografías las mas conocidas hoy en día).

Gracias a sus fotografías de guerra, Baltermants comienza a volverse conocido. Trabaja entonces para la revista Ogonyok y viaja por el mundo para fotografiar a Mao Tsetung durante la vista de Khrushchev en China, de Fidel Castro durante un viaje oficial de Brejnev. Así, a lo largo de su carrera de fotógrafo, Dmitri Baltermants tomará en fotografía a todos los lideres soviéticos desde Stalin hasta Gorbachov.

2. Fotografias de guerra o propaganda?

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Buoy lighter, Dmitri Baltermants, 1948

Cuando el Imperio entiende el poder de la fotografía como propaganda, envían a Baltermants a fotografiar la vida cotidiana en todas partes del Imperio con el fin de glorificar a la URSS.

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Khrushchev and Castro, Moscow, Dmitri Baltermants 1963

En 1949 se convierte en fotógrafo oficial del Kremlin, sus imágenes serán casi las únicas imágenes mostradas a los soviéticos. Cercano de Joseph Stalin, segura ejerciendo sus funciones durante el mandato de Khrushchev. Viajará entonces a China, India y Vietnam para llevar a cabo diferentes reportajes fotográficos.

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Worker and Kolkhoz woman, Dmitri Baltermants, 1960

Como fotógrafo oficial, realiza también reportajes sobre el suceso económico soviético así como el de los atletas en los juegos olímpicos.

3. Una indudable herencia fotográfica

Las fotografías tomadas por Baltermants serán una verdadera herencia fotográfica de la realidad de la guerra y de los combates en el frente soviético. Sin embargo, es difícil calificar a Baltermants de fotógrafo social, su aporte histórico y su técnica fotografía de guerra no se pueden negar. Por otro lado, el mismo se consideraba como un experto de la fotografía puesta en escena y se divertía jugando y modificando sus negativos con el fin de agregar efectos especiales a sus fotografías. Era experto en la utilización de colores y en las composiciones fotográficas, razones por las cuales era tan querido de las autoridades soviéticas.

La primera de sus exposiciones al extranjero fue en Londres en 1964 y en Nueva York en 1965. La mayoría de sus fotografías eran controladas por el gobierno soviético, la mayoría de los negativos de Baltermants fueron publicados en los años 1960, y es solo en ese momento que empezó a adquirir un reconocimiento mundial.

Referencias:

http://baltermants.com

http://www.mep-fr.org

http://nailyaalexandergallery.com

https://iconicphotos.wordpress.com

Lisette Model, 1901-1983, fotografiar “con las tripas”

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Lisette Model, Self-portrait

Nacida en Austria el 10 de noviembre 1901, en Viena, muere Americana el 30 de marso de 1983 en Nueva York. Su padre es un medico de ascendencia judía y de origen ítalo-americano, su madre es francesa y católica. Sigue una formación musical y es influenciada por su profesor, el compositor Arnold Schönerg. Parte de Austria cuando muere su padre, en 1924 y se va a Francia. Después de abandonar sus estudios musicales decide aprender las artes visuales. Será la alumna de Andre Lhote junto con Henri Cartier Bresson y George Hoyningen-Huene. Su Hermana, Olga Seybert la guiará en sus primeros pasos en la fotografía antes de recibir la educación del retratista Rogi André quien le dirá una frase que nunca olvidará: “nunca fotografies lo que no te apasiona”.

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Lisette Model, La Promenade des Anglais, Nice, France, 1938

1.       Una mujer fotógrafa

Las razones que llevan a Lisette Model a interesarse al medio fotográfico son explicadas por la conservadora Christina Zelich. Así, a través de este instrumento “se iniciará en una disciplina que seducirá a las mujeres. La fotografía les brinda un medio de subsistencia asociado a una expresión artística, y, eventualmente, la posibilidad de acceder a la notoriedad, poniéndolas en igualdad con los hombres”.

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Lisette Model, La Promenade des Anglais, Nice, France, 1938

En 1937 se casa con Evsa Model y emigran a Estados Unidos. Ahí se vuelve fotógrafa profesional y miembro de la New York Photo League. En 1940, después de varias publicaciones en el Harper’s Bazar y algunas exposiciones reconocidas, algunas de sus obras serán compradas por el MoMa de Nueva York. Estas imágenes serán expuestas en 1948 en el museo al lado de las fotografías tomadas por Bill Brandt, Harry Callahan y Ted Croner. Lisette Model se vuelve de esta manera una fotógrafa conocida, reconocida por su trabajo artístico e independiente financieramente.

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Lisette Model, Coney Island Bather, New York, 1939-1941

2.       Una carrera temperada por el macartismo

Recién llegada a Estados Unidos, realiza varias series incluyendo una sobre las piernas de los pasantes en las calles de Nueva York. Describe la atmosfera de la vida en la ciudad a través de esta metonimia visual. También fotografía las personas marcadas por la vida, los personajes atípicos, los que llevan en el rostro el rastro de sus emociones.

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Lisette Model, Running Legs, 1940-1941

A partir de 1951 y hasta su muerte, enseña en la New School for Social Research en Nueva York donde tendrá como alumnos a Diane Arbus, Eva Ruinstein y Larry Fink. De esta manera guarda una gran influencia sobre la Street Photography americana. En paralelo, continua a desarrollar su carrera de retratista fotografiando a Frank Sinatra, Georges Simenon, Louis Armstrong o incluso Ella Fitzgerald. Sin embargo, su carrera será frenada por la “caza de brujas” que se llevó a cabo en Estados Unidos contra las personas sospechadas de tener de alguna manera una relación con el comunismo.

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Lisette Model Louis Armstrong, 1954-1956

Al principio de su carrera de fotógrafa, realiza los retratos más reproducidos de las calles de Nice. Visitando a su madre, en Nice, recorre a lo largo y a lo ancho la Promenade des Anglais y retrata a todo personaje que se cruza en su camino. Su trabajo será publicado en 1935 en Regards una revista comunista francesa. Durante toda su vida, esconderá estas primeras fotografías que hubieran podido ser fatales para su carrera en Estados Unidos.

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Lisette Model, Sammy’s, New York, 1940-1944 

Utiliza en su trabajo el close-up, una técnica sin sentimentalismos ni retoques, como una traducción de la vanidad, síntoma de una sociedad afectada por la inseguridad y la soledad. Es por esta técnica y por su voluntad de captar con sus fotografías, los problemas de la sociedad, que Lisette Model es considerada como una fotógrafa social. Para realizar sus retratos conmovedores, Model no habla con la gente que fotografía, y es el consejo que le da a sus alumnos. Según ella, la gente “tiene la fisionomía de la vida que han tenido y de sus emociones”.

A penas llegada a Nueva York trabaja para la Photo League que será, poco tiempo después, denunciada por el macartismo. Ella misma será interrogada por las autoridades competentes pero nunca será acusada. A pesar de esto, su carrera será afectada por su participación en la Photo League y no volverá a encontrar revistas dispuestas a publicar sus fotografías. Continuará sin embargo la fotografía implicándose cada vez más en la música. Realiza una esplendida serie sobre la opera y la gente que la frecuenta, marcando directamente a la sociedad americana.

Referencias :

·        Bruce Silverstein Gallery, New York, NY

·       http://en.wikipedia.org/wiki/Lisette_Model

·       http://www.jeudepaume.org/index.php?idArt=1118&page=article présentation de Christina Zelich

·       http://cybermuse.gallery.ca/cybermuse/showcases/model/index_f.jsp

·       http://www.jeudepaume.org/pdf/DE_LisetteModel.pdf

Weegee 1889-1968 descubriendo la sociedad neoyorkina durante la Gran Depresion a traves de las noticias

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Weegee-Unknown photographer. Probably taken in the 40

Arthur Fellig, nació Usher Fellig es más conocido como Weege (12 junio 1899 – 26 diciembre 1968). Es un fotógrafo americano conocido por sus fotografías en blanco y negro de la vida nocturna neoyorquina durante la Gran Depresión. Es un fotógrafo de terreno a quien le encanta el sensacionalismo y las noticias amarillistas. Documenta la vida neoyorkina como nunca antes lo habían hecho y volviéndose así uno de los padres del fotoperiodismo urbano.

Usher Felling nace en una familia judía modesta que huye los pogromos que estallan en el imperio austro-húngaro (ahora situado en Ucrania). Su madre se reúne con su padre, rabino, en Estados Unidos en 1910. Recién llegado a Ellis Island toma el nombre de Arthur.

Arthur Fellig como muchos de los jóvenes expatriados de su generación abandona rápidamente la escuela para trabajar y poder mantener a su familia. Después de haber ejercido algunos trabajitos para sobrevivir, un fotógrafo ambulante lo para un día en la calle y le pide que lo deje fotografiarlo.

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Weegee, Drowning victim – Coney Island, 1940

A partir de ese momento el joven Arthur Felling decide volverse fotógrafo. Con una cámara fotográfica que compra de segunda mano, gana su vida haciendo retratos en la calle. Cuenta en su autobiografía que es porque los emigrantes de piel oscura querían parecer más blancos en las fotografías, que desarrolló una técnica para hacer fotografías muy contrastadas, con blancos deslumbrantes.

A los 18 años se va de la casa familiar ya que no soporta más el judaísmo paternal y aspira sobretodo a vivir su vida. Durante un año se la pasa vagabundeando, vive sin techo. Este periodo bohemio lo hará conocer el interior de Nueva York y sus recovecos, los refugios de noche, las sopas populares que serán mas tarde un sujeto fotográfico recurrente.

En 1918 obtiene, sin dificultades, un empleo de técnico en el estudio fotográfico Ducket & Adler donde aprende sobre las técnicas de desarrollo y de revelación.

En 1923, con solo 24 años, es contratado como empleado en el laboratorio de la agencia ACME Newpictures, cuya actividad es constituir un stock de fotografías para la prensa cotidiana de los diferentes estados americanos. Continua a trabajar mayoritariamente como auxiliar de laboratorio pero remplaza cada vez más los fotógrafos de la agencia cuando ellos no pueden desplazarse a ciertos eventos. Después de algunos años la agencia le propone volverse fotógrafo a tiempo completo ya que sus fotos son sensacionales e inéditas y muy apreciadas por los periodistas. Parece siempre ser el primero en llegar a la escena de un crimen o de un accidente. Esta reputación le dará el sobrenombre de « Weegee ». Esta palabra es inspirada de un juego muy popular en esa época, la Ouija, que consiste en comunicar con el espíritu de los difuntos.

Sin embargo las premoniciones de Weegee no tienen nada de sobrenatural, el fotógrafo se contenta con seguirle el rastro a los primeros llamados sobre la escena de un crimen : los policías.

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Weegee, Burning Truck, 1936 (?)

Al principio se limita a quedarse en las comisarías esperando que un comunicado llegue, sigue a los equipos enviados a socorrer y toma las fotografías de los lugares y de las víctimas. Pero esta técnica no es suficientemente instantánea. El quiere llegar antes para tomar fotos aun mas sensacionalistas.

Adapta entonces su carro para poder captar la señal de radio de la policía. Se pone al asecho en los barrios peligrosos, o cerca de restaurantes y cabarets conocidos por acoger el mundo criminal neoyorkino. Su instinto le permite ser siempre el primero en llegar a estos lugares.

La condición de fotógrafo de agencia le pesa mucho ya que no puede firmar sus fotografías. Se va entonces de ACME Newspictures en 1935 y decide volverse fotógrafo independiente.

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Untitled – Weegee

Es en este periodo que mejora su técnica y sus estratagemas para ser siempre mas rápido tomando las fotos pero también desarrollándolas y proponiéndoselas a primera hora a los periódicos neoyorkinos. Sabe que su éxito como fotógrafo independiente depende de los temas que fotografía pero también de la rapidez con las que puede proponer sus fotos.

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Weegee’s 1938 Chevy “office” and darkroom

Adapta su carro como un real estudio de foto móvil : en el baúl crea una cámara oscura con toda la química necesaria para el desarrollo de los negativos. En la parte delantera se instala confortablemente para escuchar las frecuencias de las urgencias en la radio de ondas cortas. Se queda entonces escondido toda la noche y se mantiene con Coca-Cola, salami y sus eternos cigarros. Vende sus fotografías a los periódicos a 5 dólares, siempre antes de las 6 de la mañana. Sus principales clientes son Herald Tribune, The Daily Mirror, New York Daily News, Life, Vogue, Sun…Esta manera de trabajar le da una cierta libertad y una gran autonomía en la elección de las situaciones que documenta.

Contribuye así, involuntariamente, a documentar el periodo de la Gran Depresión en Nueva York. Insistiendo en las repercusiones de la falta de trabajo, las guerras mafiosas, o la condición de la llegada de los emigrados a Estados Unidos, atraídos por promesas pero que se encuentran durmiendo en la calle en completa miseria.

El trabajo de Weegee no tiene una orientación particular. Fotografía hechos sin inhibición en la elección de los temas. Delante de su cámara, actualidades amarillistas parecen tomar sentido. Wegee nunca fue comisionado por el gobierno, se desplaza al lugar de los hechos si la situación amerita una fotografía o es suficientemente interesante para ser vendida a los periódicos.

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Weegee, Drank Man, New-York 1945

Su trabajo no puede ser definido por sus intenciones y es por esta razón que es difícil considerarlo como un fotógrafo social. Sin embargo, la falta de inhibición le da a sus fotografías un carácter honesto y curdo, casi cínico. Sabe mejor que nadie trabajar el contra plano y los juegos de miradas. ¿Es voyerista fotografiar mendigos o emigrantes en la miseria? Conociendo la historia de Weegee (el mismo es un emigrado viviendo en la calle) podemos ver la ternura, o al menos el interés que tiene por estos temas, menos interesantes para la prensa como lo son los cuerpos ensangrentados o los carros accidentados todavía humeantes.

Weegee cree solo en la instantaneidad. La cotidianidad se desgarra con escenas dramáticas. Es justo en el momento en que las escenas todavía recientes se dejan invadir por la cotidianidad de la ciudad que Weegee toma sus fotografías. Fotografía tanto las víctimas, como los culpables, los policías, los testigos, los curiosos, recreando así una pintura total alrededor de escenas cotidianas y rasgando cada vez mas el liso y limpio sueño americano. Esta lectura de la obra de Weegee no está a contra-corriente de los trabajos fotográficos de la época. Al contrario, participa en el nacimiento del fotoperiodismo de terreno donde se hace lo imposible para revelar la actualidad.

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Weegee, Man sentenced to death, date unknown.

Hay un lado macabro en sus fotografías, casi o todas revelan accidentes y violencia. Weegee se esfuerza en fotografiar las víctimas y el contorno de la escena del crimen, en particular las miradas de los espectadores. Se establece entonces un cruel juego de espejos: ¿quién es el mas voyerista? El fotógrafo que se precipita en la escena del crimen sangriento cuando el humo de las pistolas recién disparadas no se ha disipado, o los curiosos que se precipitan alrededor del cordón de la policía o que miran riéndose a carcajadas un hombre borracho…

La policía de Nueva York llamará a Weegee “Señor noticias”, muy rápido trabajaran juntos ya que lo autorizarán de manera informal a utilizar las frecuencias de la policía. Weegee con sus fotografías crea un retrato en forma de mosaicos de los males de la sociedad americana: el desempleo, la pobreza, la mendicidad, la violencia. Weegee trata cada tema con la misma atención: problemas raciales o guerras entre mafias. Su terreno privilegiado es Nueva York y particularmente su vida nocturna, en lugares emblemáticos: cabarets, restaurantes, refugios de noche, lugares mundanos, burdeles que frecuenta asiduamente. Representa entonces incidentes sórdidos o trágicos (crímenes, accidentes, personas ahogadas, incendios…) El arte del fotógrafo consiste, según su propia expresión en “mostrar cuanto, en una ciudad de diez millones de habitantes, la gente vive en la más completa soledad”.

Las fotos de Weegee, esencialmente nocturnas son mayoritariamente tomadas con flash. Utiliza un Speed Graphic 4×5 con una apertura a f/16, a 1/200e de segunda mano y un objetivo de 10 pulgadas (25 centímetros). También utiliza un Rolleicord que le permite tomar fotografías rápidamente sin que estas sean borrosas. La luz pone crudamente en valor los cuerpos y proyecta sombras casi grotescas sobre los rostros. El contraste y los temas fotografiados evocan el cine negro.

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Weegee, New-york, 1941

Es difícil decir cuales eran las intenciones de Weegee así como es difícil considerarlo plenamente como un fotógrafo social. Circula como un electrón libre entre el foto-periodismo y la fotografía sensacionalista. Tiene una mirada cínica y a la vez tierna de sus conciudadanos. Fotografiar los momentos de drama cotidianos pone extrañamente en valor lo que la humanidad puede tener de burlesco y de repugnante. Weegee es un personaje ambiguo, muy criticado y comparado a un buitre rondando cerca de las escenas de infortunio para mejor vender sus imágenes. Seria entonces de esta manera precursor de los paparazzis y de la prensa amarillista. Pero recibe en paralelo un reconocimiento artístico de su trabajo cuando es expuesto en el MoMa en 1943…

Murder is my Business es el titulo de su primera exposición oficial en 1941 y resume el cruel y cínico precio de la independencia fotográfica, compartido entre la necesidad de vender y la de denunciar.

Es todo un personaje, con apariencias de mafioso y su cigarro eternamente entre sus labios (será también actor en varias películas). Es grosero, cliente de burdeles y pasa sus noches y su vida en su carro…No tiene la “nobleza” esperada de un fotógrafo social, caballero blanco de la imagen…Y sin embargo sabe, quizás mejor que nadie, fundirse en el entorno que fotografiaba.

Referencias:

http://mag-lsp.location-studio-photo.fr/talents/weegee-et-le-fait-divers-a-new-york.php

Miles Barth, Weegee’s World, Bulfinch Press, 1997

Kerry William Purcell, Weegee, Phaidon, 2004

Unknown Weegee, Steidl Publishing, 2006

Roman Vishniac (1897-1990) foto-documentalista y humanista

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Roman Vishniac holding his camera – Unidentified photographer. 1935-38

Roman Vishniac (1897-1990) es un fotógrafo americano de origen ruso. Fotógrafo polivalente, con múltiples talentos, Roman Vishniac es también apasionado por la biología. Crece en Moscú y se vuelve Dr en zoología y asistente de un profesor de biología.

Es solo durante los años 1920 cuando se instala en Berlin que se volverá fotógrafo aficionado. Allí atestigua del dinamismo cotidiano de esta ciudad moderna y cosmopolita. Fotografía conductores de tranvías, distribuidores de periódicos, estudiantes, los parques de la ciudad y sus cafés.

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Recalcitrance, Berlin – Roman Vishniac. 1929

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People behind bars, Berlin zoo – Roman Vishniac. 1930

Cuando la aparición del nazismo se vuelve cada vez más evidente, retrata la ciudad de Berlin enfocando su trabajo en los indicios de la llegada del horror. Fotografía las nuevas medidas antisemitas así como las medidas discriminatorias que aparecen. En 1933, un decreto es publicado prohibiendo a los fotógrafos judíos de tomar fotografías en la calle. Con la ayuda de su hija, Mara, y clandestinamente, no dejará de fotografiar las calles de Berlin.

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Vishniac’s daughter posing in front of a shop specialized in instruments measuring the difference in size between Aryan and non-Aryan skulls – Berlin, 1933

En 1935 la dirección europea del American Jewish Joint Distribution Committee le confía la misión de fotografiar a las comunidades judías del Este europeo (Polonia, Lituania, Letonia, Checoslovaquia, Rumania) antes del Holocausto. Durante cuatro años, Vishniac recolectará estas imágenes que se volverán celebres y serán un increíble testimonio fotográfico de la cultura judía en los ghettos y particularmente la de los religiosos y los mas desfavorecidos.

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Elderly man – Roman Vishniac – 1939

Las fotos que toma son el reflejo de la vida cotidiana de los modelos que elige : ancianos, niños, mercaderes, rabinos. Todos, concentrados en sus tareas cotidianas, se toman un instante para fijar el objetivo y fijarnos a nosotros de manera abrumadora. Reforzado por el blanco y negro de la fotografía, el contexto es sombrío y frío, y el realismo de sus fotografías se vuelve aun más estremecedor.

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Sara seeting in bed in a basement dwelling, with stenciled flowers above her head, Warsaw – Roman Vishniac – 1935-37

Para Vishniac, no se trata solamente de un simple testimonio, pero de una manera de sensibilizar y alertar sobre los horrores que están siendo cometidos. Roman Vishniac irá hasta introducirse clandestinamente en campos de concentración y utilizará las fotografías tomadas para probar la existencia de tales campos delante de la Sociedad de las Naciones.

Estas fotografías fueron publicadas en su libro A Vanished World publicado en los años 1980.

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Jewish schoolchildren, Mukacevo – Roman Vishniac – 1935-38

Llega a Nueva York en 1941 donde abre un estudio de fotografía y se especializa en los retratos. Es en esta época que le toma uno de los retratos más conocidos a Albert Einstein, pero también a Marc Chagall y otras celebridades. Así, llamará la atención de una clientela cada vez más importante de bailarines, músicos, artistas, intelectuales y científicos, todos emigrados.

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Albert Einstein in his office, Princeton University – Roman Vishniac – 1942

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Marc Chagall, New York – Roman Vishniac, 1941

Documenta también la vida de los judíos americanos y de los emigrantes que sobrevivieron a la guerra y que construyen una vida nueva en Estados Unidos.

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Sisters, refugees, shortly after their arrival in the US, Central Park New York – Roman Vishniac – 1941

En 1947, vuelve a Europa como ciudadano americano. Ahí fotografía los campos dedicados a los desplazados, los sobrevivientes del Holocausto, la acción de las organizaciones de ayuda humanitaria y Berlin en ruinas.

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The streets are free of brown battalions! – Roman Vishniac – 1947

Roman Vishniac es también conocido por sus innovaciones de foto-micrografía a color durante los años 1950-1960. Se especializa en la fotografía de insectos vivientes en movimiento y realiza fotografías inéditas de lo « infinitamente pequeño ».

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Cross section of a pine needle – Roman Vishniac

Sus obras son de una increíble diversidad : produjo también diversas películas científicas que serán luego utilizadas por estudiantes en biología. Sus trabajos serán publicados en diferentes revistas científicas y serán datos importantes para los investigadores.

« La Naturaleza me ha enseñado muchas cosas que no encontraba en los libros. La Ciencia y la Naturaleza me han dado las horas más interesantes de mi vida » – Roman Vishniac

Roman Vishniac es también un coleccionista reconocido, profesor de historia de arte y gran orador. Al final de su vida enseña en Nueva York el arte oriental, el ruso, la filosofía, la religión en la ciencia y la foto-microscopía. Reconocido por sur respeto hacia todas las formas de vida, Roman Vishniac puede entonces ser calificado como gran fotógrafo humanista.

D.Lange: “Tomar fotografías honestas”

Volvamos a Dorothea Lange y tratemos de entender porqué su trabajo es tan importante para la historia de la fotografía social.

Las fotos de Dorothea Lange son principalmente fotos de retratos que realiza con mucho cuidado. De ellos sobresale una gran impresión de humanidad y de dignidad, acercándose casi a la iconografía religiosa. Como no pensar en la Piedad al ver sus retratos de madres ? O a Cristo en cruz en sus retratos de trabajadores ?

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D.Lange, Dichted, Stalled, Stranded, 1935

Pero para guardar una parte de humanidad, y sensibilizar el espectador, Dorothea Lange es particularmente hábil captando las miradas de sus modelos. Muchos de sus sujetos miran fijamente el objetivo que se encuentra a la altura de sus ojos dándonos la impresión de que nos miran directamente.

Estos retratos son como espejos. Lange no busca revelar la situación de pobreza de estos hombres y mujeres pero captar lo que puede causar emociones en el observador. Y ver en que se parecen a la gente de esa época a pesar de las condiciones de vida difíciles, la pobreza, y los estigmas del trabajo pesado.

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D.Lange, Damaged Child, Oklahoma, 1936

Para Dorothea Lange, el objetivo de sus fotografías es documentar pero sobre todo conmover, provocar una indignación, una emoción que haga reaccionar los políticos, capaces de hacer cambiar las cosas. Contrariamente a Walker Evans, que parece hacer fotografías mas objetivas y curiosas de la situación de los migrantes, Dorothea Lange parece tener una mirada más sensible de sus modelos.

Es para ella todo el sentido de la honestidad de la foto : frente a una situación indignante, Lange no duda en convocar la emoción y fotografiar lo que la conmueve para conmover también al espectador. Para tocar la triple humanidad del fotógrafo, del modelo y del espectador, hay que entregar fotografías honestas y reales. De esta manera, se esfuerza en estar lo más cerca posible de los sujetos dándoles la prioridad y sin jamás explicarles porqué los fotografía. Los comentarios vienen después, ante todo la imagen se impone y se toma rápidamente : raramente más de diez fotografías son tomadas. Lange fotografía claramente y justamente. Nos cuenta como tomó la fotografía emblemática « Madre Migrante » :

« Vi y me acerqué de esta madre hambrienta y desesperada, como atraída por un amante. No me acuerdo como le expliqué mi presencia o mi cámara fotográfica, pero me acuerdo que no hacia ninguna pregunta. Tomé cinco fotografías,trabajando cada vez mas de cerca yendo en la misma dirección. No le pregunté ni su nombre, ni su historia. Me dijo su edad, tenia treinta y dos años. Dijo que habían vivido gracias a verduras congeladas en los campos alrededor, y los pájaros que los niños habían matado. Acababa de vender las llantas de su carro para poder comprar comida. Ahí estaba, en su carpa, con sus hijos pegados a ella, y parecía saber que mis fotografías podrían ayudarla, y ella me ayudo. Hubo una forma de igualdad ».

La mujer se llamaba Florence Owens Thompson, era de origen Cherokee.

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 D.Lange, Mother migrant, febrero 1936

La composición de la imagen está sin duda calcada en una representación de la Virgen con el Niño, la mirada triste de la madre, pero decidida a vivir le da a la fotografía una impresión de eterna humanidad. Esta imagen nos reenvía al personaje de Brecht de « Madre Coraje » (así la obra de teatro sea de 1942) tanto esta mujer parece cargar sobre sus hombros toda la miseria y la abnegación del mundo. El observador tiene un sentimiento de dolor, de piedad y de respeto sin saber los contratiempos y obstáculos que esta mujer y su familia tuvieron que afrontar y tendrán que seguir afrontando. Ahí está toda la fuerza de la fotografía documental social. Provoca la empatía sobre una situación que expone sin modificar : no hay puestas en escenas, ni poses complicadas, no hay ninguna alteración de la realidad. La idea es fotografiar el sujeto en su entorno y de tratar en paralelo de transmitir su identidad, de captar una pequeña parte de su humanidad, con el fin de que el espectador no vea simplemente una fotografía pero el hombre, la mujer o el niño siendo fotografiado.

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D.Lange, Woman of the High Plains, Texas Panhandle, 1938

Las fotografías de Dorothea Lange se destacan porque encarnan toda la ética de la fotografía documental pero ante todo transmiten una emoción, casi afecto, creando con el observador un vinculo fuerte e intimo. Sin ser dramáticos ni espectaculares, sus retratos son desgarradores y « reales ». El trabajo de fotografía social de Dorothea Lange es un trabajo solidario con los sujetos fotografiados. Ponerse a la misma a la altura que ellos, en empatía respetuosa y discreta :

« Así haya hecho un trabajo documental, mis enfoques fueron instintivos, me fiaba completamente a mi instinto…Mi método: seleccionar un tema y trabajar hasta el agotamiento…El sujeto debe ser algo que aman o detestan realmente ».

Quién mejor que ella para concluir su trabajo?

« Vivir una vida visual es un objetivo enorme, prácticamente inaccesible… y yo apenas pude tocarla ».

Fuentes :

http://www.espritsnomades.com/artsplastiques/langedorothea/lange.html

En francés :

Dorothea Lange : Le Cœur et les Raisons d’une photographe, Pierre Borhan, Seuil, 2001
Dorothea Lange : photographies d’une vie, Könemann (1998)
Dorothea Lange, Mark Durden, collection Phaidon, 2006

En inglés :

Dorothea Lange: A Photographer’s Life, Meltzer, Milton, New York: Farra Straus Giroux, 1978
Dorothea Lange: American Photographs, San Francisco: SFMOMA and Chronicle Books, 1994
Dorothea Lange: A Life Beyond Limits, Linda Gordon, W. W. Norton & Company (2010)

Dorothea Lange (1885-1965) fotografiar para enseñar a la gente a ver más allá de las imágenes

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Hay personajes en la historia de la fotografía social que nos dan a la vez lecciones de vida y lecciones de fotografía.

Es el caso de la imprescindible Dorothea Lange (1885-1965).

Hemos cruzado su nombre cuando hablamos en nuestro ultimo articulo, de Walker Evans, su contemporáneo con el que comparte la mirada fotográfica pero también el echo de ser conocida mundialmente por el trabajo realizado sobre los agricultores migrantes americanos durante los años 1930 y 1940. Sin embargo, su trabajo no se resume a esta única misión.

Su trabajo fotográfico esta íntimamente ligado a su vida, así que les proponemos de adentrarnos en ella !

Dorothea Lange nació Dorothea Margaretta Nutzhorn el 26 de mayo de 1895 en Hoboken, New Jersey. Su familia es de la segunda generación de emigrantes alemanes que vinieron a instalarse sobre el suelo americano. Niega su apellido a partir de los doce años cuando su padre decide de abandonar el hogar familiar. Toma entonces el apellido de soltera de su madre. Las consecuencias del abandono paternal se sentirán más tarde en la elección de sus sujetos fotográficos. Lo que tenemos que saber de Dorothea Lange es que logra valorar a los excluidos porque se siente cercana a ellos.

A los 7 años, Dorothea contracta la poliomielitis lo que la afectará toda su vida ya que quedará para siempre coja. A pesar de haber llevado a cabo estudios brillantes y contra todo pronostico, rechaza ser profesora y decide ser fotógrafa. Así no más. Sin jamas haber tomado una foto en su vida. Se inscribe a estudiar fotografía en la Columbia University de New-York y acompaña sus estudios trabajando en pequeños estudios fotográficos donde aprende todas las facetas de esta profesión y empieza a fotografiar para bodas y en estudio.

En 1918 se instala en San Francisco y abre, un año más tarde, un modesto estudio fotográfico y se especializa en retratos. Muy rápidamente encuentra la fama y se construye una reputación local. Pero muy rápido las ganas de salir del estudio se vuelven más fuertes y decide realizar fotografias en el exterior a partir de 1920.

En 1930 se cuestiona :

« Realicé que fotografiaba solamente a las personas que me pagaban. Esto me molestó. Entonces decidí cerrar el estudio y desmontar la cámara oscura. Me pregunté : Que es lo que trato de decir ? Realmente quise mirarme de frente ».

Cierra entonces su estudio en San Francisco y busca fotografiar lo que pasa al rededor suyo, ir a ver los que no aparecen en las fotografías comunes. Y personas excluidas hay muchas en Estados Unidos durante los años 1930. El país atraviesa una crisis financiera sin precedentes. Y esta crisis financiera tiene un impacto social tan inmediato como cruel.

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Dorothea Lange, White angel bread line 1933

Quiere usar su cámara fotográfica como una « maquina para matar las indiferencias » y va al encuentro de personas que sufren la crisis : los trabajadores ferroviarios en huelga de San Francisco, los millones de desempleados que buscan cotidianamente trabajo, en vano, los agricultores sin tierra y en éxodo. California parece todavía ser un El Dorado para muchas familias rurales provenientes de Alabama u Oklahoma (es todo el tema de la novela de Steinbeick « Las uvas de la ira »). Dorothea Lange quiere atestiguar de las condiciones de vida de estos migrantes, llegados a California con falsas promesas de empleo, con esperanzas de una vida mejor pero que se encuentran amontonados en los campamentos improvisados y trabajando por un salario de miseria para productores californianos.

Dorothea Lange es contratada por la WPA (Work Progress Administration) para atestiguar de la situación y ayudar a encontrar soluciones. Será testigo, sobre todo durante los 15 años en los que trabajará para los servicios del Estado (que cambian varias veces de nombre) de la profunda dignidad de hombres y mujeres que retrata llenos de humanidad. Sus fotos las más conocidas son de esta época. Pensamos inmediatamente a la iconica « Madre migrante » tomada en 1936. Sus diferentes reportajes alertarán al publico sobre esta situación y sobre todo crearán empatía.

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Dorothea Lange, Migrant Mother 1936

Decide dejar, lo que se convirtió en la FSA, en 1943 debido a que ya no se siente en fase ideológicamente con este programa.

La enfermedad la obligó a dejar de fotografiar durante casi 6 años pero retoma nuevamente a partir de 1954-1955 realizando largos reportajes sobre la vida de los mormones en Irlanda. Es también durante este periodo que realiza, en colaboración con el periodista Ansel Adams, reportajes para la revista Life. Empieza también un estudio exhaustivo del sistema judicial en California.

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Dorothea Lange, Coca Cola bottle children and mother, Californie 1939

Al principio de los años 1960 hace varios viajes al extranjero, sobretodo en Asia oriental, Venezuela, Ecuador y al Medio Oriente.

Muere poco tiempo después en 1965 de un cáncer.

Tenemos tanto que decir de la vida de esta fotógrafa que nuestro próximo articulo también se lo dedicaremos a ella.

Walker Evans (1903-1975) de escritor fracasado a monstruo sagrado de la fotografía documental

Walter Evans, portrait, unknown photographer.

Walker Evans es un fotógrafo americano, nació en1903 y muere en 1975. Es sobre todo reconocido por las fotografíasrealizadas para la Farm Security Administration (FSA). Todos
hemos visto, a veces sin saberlo, uno de sus retratos de agricultores
pobres de Alabama. Pero su trabajo no se puede reducir a solo esto,
es también y ante todo, un hombre fascinado por la noción de
documento y un fotógrafo radical en su enfoque de la fotografía.

El gran amigo de Walker Evans, Cartier-Bresson, dirá
« simplemente » de el: « Sin el desafío que
representa su obra, nunca hubiera seguido siendo fotógrafo
».
Esta citación  representa claramente al personaje.
Retrospectivamente, aparece como un monumento sagrado de la
fotografía social y documental, pero es un hombre reservado, tímido
y perfeccionista.

1/  De escritor fallido a monumento
sagrado de la fotografía

Nació en una familia de clase media en el Midwest
americano, pero su familia se muda frecuentemente por el trabajo de
su padre (Toledo, Chicago, New York). Bachiller de la Phillips
Academy
(Massachusetts) en 1922, estudia en el Williams
College
literatura francesa que lo fascina (Flaubert sobre todo).
Lee sin parar.

En 1923 parte a New York donde va a vivir tres años
y donde empezará a escribir cuentos.

En 1926, como Ernest Hemingway, Henry Miller o Scott
Fitzgerald, viaja a Paris con la ayuda de su padre. Ahí vive durante
un año y trata de seguir cursos de literatura en la Sorbonne.

Pero la situación financiera lo obliga a volver en
1927 a New York. Traduce Cocteau y Larbaud, trabaja para una librería
y conoce amigos que le harán descubrir la fotografía. Para vivir,
trabaja en en la oficina de un corredor de bolsa de Wall Street de
1927 a 1929. Al mismo tiempo, lleva una vida bohemia en el Greenwhich
Village, como escritor fracasado.

En 1928, sin haber llegado a dominar una escritura
personal y dandose cuenta de la realidad del desempleo, deja la
literatura y se compra una cámara fotográfica. Decide ser
fotógrafo.

En 1930, sus primeras fotografías de rasca-cielos lo
hacen sobresalir y le aportan una pequeña notoriedad, pero son sobre
todo las fotografías descubiertas de Henri Cartier-Bresson y Eugène
Atget que lo confortarán en sus búsquedas estéticas. En gran
admirador de Flaubert, explica una de sus máximas : « El
artista debe ser como Dios durante la creación, ser percibido por
todo lado, sin jamas ser visto ».
Busca
entonces fotografiar sin complacencia, busca la objetividad y el
estilo directo que permiten las cámaras fotográficas.

En 1933, es contratado para observar y fotografiar la
revolución cubana. Este reportaje tendrá como resultado la
publicación de un libro, publicado años más tarde : The
Crime of Cuba

2/ La Misión fotográfica de la Farm Security
Administration

Walker Evans, Allie Mae Burroughs, 1936

Entre 1935 y 1943, será parte del equipo de
fotógrafos (más de 30 fotógrafos, entre ellos Dorothea Lange o
Jack Delano) que recorrerán los Estados Unidos con la misión de
grabar los dramas de la mas terrible crisis económica que jamás
haya conocido el país. El reportaje será sobre todo en el mundo
rural que estaba entonces en plena mutación. La modernización
agrícola y las mutaciones que resultan de ella son los objetivos del
gobierno de Roosevelt. La Farm Security Administration (FSA)
es creada para acelerar la modernización agrícola del país. El
objetivo de la misión es de convencer a los estadounidenses de
seguir con las reformas y el trabajo de comunicación de prensa por
medio de la fotografía. Es gracias a esta sección fotográfica,
dirigida por Roy Stryker, de 1935 a 1942, que la FSA es conocida :
el proyecto consiste en hacer una evaluación de las condiciones de
vida y de trabajo de los estadounidenses en el medio rural. Roy
Striker, inspirado por el trabajo de Lewis Hine, contrata varios
fotógrafos conocidos o anónimos, provenientes de diferentes
horizontes estilísticos (fotografía periodística, documental,…)
según su compromiso social y político.

Walker Evans Sharecropper, Hale Conty, Alabama
1936

A través de 270 000 documentos, los fotógrafos,
cada uno a su manera, crean el retrato humano de los Estados Unidos
en crisis. Los retratos como Madre emigrante
de Dorothea Lange (que presentaremos pronto) o de los agricultores en
Alabama de Walker Evans marcan profundamente los americanos durante
el periodo de entreguerra.

Para tratar de hacer una selección entre sus
imágenes y darle un sentido a toda esta cantidad de fotos, Walker
Evans es nombrado « Senior Information Specialist ». En
1935, Walker Evans parte en misión. Sus fotografías son de una
precisión impecable.

Se aferra a la arquitectura vernácula, fotografía
el interior de las casas modestas, pero también las pancartas y
afiches publicitarios, ampliando así los problemas directamente
tratados por la FSA. Las misiones de esta se irán desarrollando e
irán mas allá de los problemas agrícolas pasando por la
documentación de las evoluciones sociales.

Walker Evans in1936, most likely a picture taken byJames Agee

En 1936, en paralelo a la misión de la FSA, Walker
Evans viaja con el escritor James Agee para ilustrar un pedido de la
revista Fortune sobre las familias de granjeros de Alabama. De
esta colaboración nace el libro  Let Us Now Praise Famous Men,
que será publicado en 1941,
finalmente rechazado por la
revista que lo había pedido.

Walker Evans, Bud Fiels and his family,
Alabama 1935

El Museum of Modern Art, (MOMA), de New York le
dedicará una exposición «Walker Evans: American Photographs»
sobre las fotografías tomadas entre 1929 y 1936. Es la primera vez
en la historia del Museo que son expuestas las obras de un solo
fotógrafo. El libro « American Photographs » catalogo de la
exposición va a influnciar generaciones de fotógrafos.

3/ Escritor de la imagen

En 1938 Evans rompe completamente con este periodo y
vuelve al mundo urbano. Empieza una serie de retratos en directo
desde el metro neoyorquino que durará hasta 1941. Describe « la
abrumadora ausencia de alegría »
de esta gente.

Con su cámara disimulada, y el sonido cubierto por
el ruido del metro, Evans crea un dispositivo para evitar que los
sujetos fotografiados tengan alguna influencia en la imagen que
quedará de ellos.

Pero podemos describirlos como retratos ? Su
objetivo consiste en retratar de la manera mas justa e instintiva
estos sujetos, sin empatía aparente, sin subjetividad desplazada. Se
impone una exigencia de realidad, rechazando todo sentimentalismo
pero logrando sin embargo fotografías llenas de emociones. Busca
ante todo comprender a los hombres y mujeres que evolucionan en esta
sociedad que muta a una rapidez pavorosa. El tiempo que pasa entre el
instante de la fotografía y su relativa inmortalidad, lo fascina. Es
la transformación del presente de esta nación en pasado que lo
acecha : « lo que interesaba Evans, y lo que todavía
le interesa, es de saber a que se parecerá el presente cuando ya
será pasado »
(Jeremy
Thomson).

Trabajará para el Time en 1943, y colaborará
durante 22 años con la revista Fortune. Huye de los retratos
de celebridades a las que podía acceder mientras trabajaba para
Fortune. Huye también la multitud para captar las
individualidades.

Abandona la prensa en 1965 para enseñar la
fotografía y la concepción gráfica en la universidad de Yale hasta
1974.

El MoMA le dedica una gran retrospectiva en 1971.
Descubre en 1973 la fotografía a color gracias a los filtros
Polaroïd y lleva a cabo al final de su vida experimentos a color con
su cámara SX-70 de Polaroïd. Este periodo esta muy mal documentado.
Pareciera que solo quisiéramos dar a conocer al Walker Evans,
fotógrafo documental de la miseria social. El que consideraba que
« La fotografía a color es vulgar » se contradirá
realizando mil clichés (retratos de mujeres desnudas sobre todo, de
amigos y estudiantes) que le permitieron realizar « la
contra-estética ».

Muere, en su casa, el 10 de abril 1975 en New Haven,
Connecticut sin ninguna ceremonia ni servicio fúnebre.

Este gran admirador de James Joyce, busca el sentido
de todo y una cierta estética, también fotografía sujetos. Su
técnica fotográfica varia entre una preocupación arquitectural y
fotografías instintivas robadas en el metro.

La luminosidad rasante de lado es su marca de
fabrica : Evans ama esta luz que revela el máximo de detalles
en la superficie de los muros y los rostros de sus sujetos.

Walker Evans, interior of a minor’s house in Virginia, 1935.

Como pudimos observarlo, su pasión por la literatura
no lo dejará nunca y se refleja en sus fotografías. Cuando es
contratado por la FSA para hacer lo que podría verse como
propaganda, busca en realidad el realismo (en el sentido literario
del termino) más que la foto militante social. La imagen se
encuentra para el entre la eternidad de la obra de arte y la efímera
e instantaneidad del objeto comercial o periodístico.

Martin Chambi (1891-1973) y el orgullo de la sangre indígena

Martin Chambi – Selfportrait,Cuzco 1923

« He leído queen Chile se piensa que los Indios no tienen cultura, que
sonincivilizados, que son intelectual y artísticamente inferiores
encomparación a los blancos y los Europeos. Más elocuente que miopinión,
en todo caso, son los testimonios gráficos. Es mi
esperanza que un atestado imparcial y objetivo examinará esta
evidencia. Siento que soy un representativo de mi raza ; mi
gente habla a través de mis fotografías » Martin Chambi, 1936

Esta citación es
representativa del trabajo fotográfico de Martin Chambi a partir de
los años 1910 hasta los años 1970. Si nos interesamos hoy a la obra
de Martin Chambi es porque fue uno de los primeros fotógrafos de
sangre indígena de America Latina en haber retratado a su pueblo,
digno y orgulloso. El valor documental histórico de las fotografías
de este artista peruano es indudable.

Martin Chambi, Indian from Paruro, Cuzco Studio,
1933.

Martin Chambi nació en 1891 en el departamento de
Puno. Es originario de una familia de campesinos pobres y crece en la
tradición indígena Quechua. Después de la muerte de su padre, y a
tan solo 14 años, se ve obligado de trabajara para la Santo
Domingo Mining Company
en las
minas de oro de Carabaya en el sur-este del Peru. Esta experiencia le
cambiará la vida ya que el encuentro con fotógrafos ingleses que
trabajaban para la misma compañía, hará nacer su pasión por la
fotografía.

En ese entonces la fotografía era un trabajo
técnico, pero Martin Chambi la transformará en creación artística.
En 1908 se muda a Arequipa, la ciudad blanca del cielo azul eterno,
donde la fotografía esta en su auge y donde se encuentran numerosos
fotógrafos conocidos. Comienza a trabajar en el « estudio
Vargas », del gran fotógrafo local Max. T. Vargas, donde las
familias de clase media y alta se hacen retratar. Es gracias a el que
podrá exponer por primera vez en 1917 en el centro artístico de la
ciudad.

Martin Chambi, nude, Cuzco, 1936

Martin Chambi,  Don Julio Gadea’s wedding,
Prefect of Cuzco, 1930

El contexto
histórico en el que se encuentra Martin Chambi es favorable al
desarrollo de su pasión lo que lo incitará a ir a Cuzco, antigua
capital del imperio Inca, en los años 1920. Es a partir de esta
época que su carrera artística prosperará. Empieza tomando
retratos de la clase alta de Cuzco. Pero desarrollará su talento
artístico explorando y fotografiando esta región cargada de
historia pero también de situaciones sociales dramáticas.

Martin Chambi, Panoramic view, Machu Picchu, Péru
– 1925

El Peru empieza entonces a volverse un centro
histórico. Solo en 1911 la ciudadela de Machu Picchu, tan
fotografiada, será oficialmente descubierta por Hiram Bingham.
Algunos años más tarde, Chambi contribuirá a la promoción de este
sitio absolutamente increíble.

Víctor Mendivíl with the giant of Paruro – 1929.Martin Chambi

Es a través de más de 30 000 clichés que Martin
Chambi va a revelarnos los secretos mejor guardados de los Andes y de
sus habitantes. Fotógrafo, documentalista, artista y realista,
Martin Chambi logra con cada cliché revelar el alma de su pueblo
pero también y ante todo relevar la singularidad de cada persona,
paisaje o situación que fotografía.

Martin Chambi, Sunrise at Plaza de Armas, Cuzco,
1925

Martin Chambi, Ezequiel Arce and his potato
harvest. Cuzco. 1939

Martin Chambi fotografía en su estudio, en las
calles de Cuzco y las montañas de su región. Documenta la historia
de su tiempo, de su pueblo y de su región volviendo evidente su
sensibilidad artística. Su obra permitió el desarrollo del arte
fotográfico de su país y su reconocimiento internacional.

Martin Chambi, organist in the chapel of Tinta,
1941

Las fotografías de Chambi nos reenvían a la
realidad de las desigualdades entre clases sociales. Al cotidiano del
pueblo peruano, la sumisión y la discriminación de los pueblos
indígenas. Pero vuelven eternas la dignidad y la elegancia de su
pueblo.

Martin Chambi, a begging child, Cuzco, 1934

Martin Chambi, Chicha and Sapo, traditions of
Cuzco, 1931

Mientras vivía, la obra de Martin Chambi fue
expuesta en Peru pero también en Bolivia y en Chile. Foto-periodista
para el periódico La Crónica
y las revistas Variedades y
Mundial también
trabajó para La Nación (periódico
argentino) de 1918 a 1930 y publicó sus fotografías en la muy
reconocida revista National Geographic en febrero del 1938. En 1979
su obra también será expuesta en el MoMA (Museum of Modern Art –
New York). Mientras estuvo en vida, Martin Chambi se esforzó de
hacer conocer su trabajo. Desgraciadamente, los peruanos, a la
memoria corta, no estuvieron a la altura de esta herencia
fotográfica. Es hace solo algunos años, gracias al trabajo de Julia
Chambi y de su nieto Teo Allain Chambi, que el nombre y el trabajo de
este artista resuenan nuevamente entre sus conciudadanos.

Martin Chambi

Fuentes:

http://www.mutualart.com

http://martinchambi.org

http://www.moma.org

August Sander (1876-1964) espléndido retratista de la sociedad alemana

August Sander Image courtesy of Weinstein Gallery

1.       Un genio autodidacta

August Sander nació en Colonia en 1876. Creció enuna ciudad minera, industria que emplea a su padre. El mismo trabajaun tiempo en las minas. Descubre la fotografía durante su servicio
militar en Trèves donde es asistente de un fotógrafo. Luego,
seguirá una corta formación artística en Dresde y se enriquecerá
de dos años de viaje por Alemania. En 1902, abre un estudio en la
ciudad de Linz (Austria) antes de volver a su ciudad natal en 1910.
Durante los años 1920 enriquece su enfoque fotográfico y artístico
relancionandose con pintores del movimiento progresista de Colonia
Raoul Haussmann y Otto Dix.

August Sander. III/17/9. Painter (Marta Hegemann),
c. 1925. Gelatin Silver Print, printed later by Gerd Sander ©
Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln / courtesy by
FEROZ Galerie, Bonn

Un genio del retrato, August Sander realizará
espléndidos documentales fotográficos. Se gana la vida gracias a
trabajos publicitarios y de la fotografía arquitectónica. Dotado de
una fibra social que  sobresale en sus fotografías, es sin duda
alguna, uno de los más grandes fotógrafos alemanes.

Bricklayer, 1928, August Sander

Seria un eufemismo decir que August Sander fue un
fotógrafo prolijo. Realizó más de 40 000 fotografías en gran
formato a lo largo de su carrera.

Demuestra también una fuerte voluntad de documentar
la sociedad de la manera más objetiva posible, lo que explica
ciertamente el numero de negativos que dejará.

Debe interrumpir la obra de su vida por primera vez
durante la Primera Guerra Mundial.

Young farmers, 1914, August Sander

Entre las dos guerras,
documenta la sociedad alemana y la aparición del nazismo. Es la
Segunda Guerra Mundial que le dará un final definitivo a su carrera.
Su trabajo será víctima de la destrucción y quema del Partido
Nacional Socialista. Los Nazis irán hasta destruir los bloques de
impresión de su editor.

Soldior, 1940, August Sander

2.      
Fotografías sociales condenadas a ser quemadas

« Retratos de nuestro tiempo(Antlitz der
Zeit) » y « Los hombres del siglo 20 » (Menschen
des 20. Jahrhunderts) son dos grandes obras de August Sander que
deberían figurar en el Panteón de la fotografía social.

Rural Bride, 1925-1930, August Sander

A partir de 1911 comienza un trabajo importante sobre
« Los hombres del siglo 20 ». Divide la sociedad alemana
en siete grupos que retrata : «el campesino», «el artesano»,
«la mujer», «las categorías socio-profesionales», « los
artistas », « la gran ciudad », « los últimos
de los hombres » (donde trabaja el tema de la vejez, la
enfermedad y la muerte). Para este trabajo, August Sander realiza más
de 600 retratos. Inspirado por la psico-morfología y la fisionomía,
trata de presentar con las mas grande objetividad y de la manera más
realista posible un retrato de su época. Para realizar sus retratas
le pide a sus sujetos de posar como les parezca más natural. El
resultado son representaciones sin efectos, frontales y donde el
fotógrafo desaparece frente a su modelo. Esta técnica inspirará a
otros grandes fotógrafos de la época como Walker Evans, Vernd o
Hilla Becher.

Teacher, 1921, August Sander

El trabajo artístico de Sander revela retratos que
toma clasificandolos en mosaicos, donde opone o compara los
diferentes miembros de la sociedad.

The Philosopher Max Scheler, 1925, August Sander

Smiths, 1926, August Sander

People from the Circus, 1926-1932, August Sander

Otto Dix and his wife Martha, 1926, August Sander

Si algunos califican el trabajo de Sander como siendo
parte del movimiento de la nueva objetividad (Neue Sachlichkeit), los
historiadores de arte no concuerdan con este posicionamiento. Los
retratos realizados por Sander hacen en realidad parte del « lenguaje
de la realidad » del que habla Olivier Lugon.

Es justamente este trabajo que atraerá el odio del
partido Nazi quien quemará las obras del fotógrafo en 1936. Su hijo
será arrestado por sus opiniones políticas dos años antes y morirá
en la cárcel en 1944.

Al final de la Segunda Guerra Mundial, realizará
algunas fotos de su región devastada por los bombardeos.

Muere en 1964 « es solamente al principio de
los años 1970 que Sander logra adquirir un cierto reconocimiento,
por la publicación, por Bucher, de una serie de retratos intitulada
Menschen ohne Maske (Hommbres sin mascaras). » Su
obra será también publicada en los años 1980 bajo la dirección de
su hijo y con la participación del historiador Ulrich Keller y en
2002 bajo la dirección de Suzanne Lange (conservadora de los
archivos Sander en Colonia).